Marina Abramović: historia i wypowiedzi kobiety, która zrewolucjonizowała sztukę performance

Sztuka performance? To synonim Mariny Abramović , jednej z najbardziej eklektycznych i dyskutowanych kobiet współczesnej sceny artystycznej. Włoży ją i wiele więcej w swoje prace. Sprowadza gwałtowną i bezwarunkową furię, nagą duszę i ciemne strony nieświadomego ja, prawie zawsze stawia w relacjach z publicznością i dychotomię ciała i umysłu.

Skromnie określająca siebie mianem „babci performansu”, Abramovic od początku swojej kariery zamierzała podkreślać rewolucyjny potencjał jej sposobu wyrażania artystycznego performansu.

Rzeczywiście, prace Mariny Abramović są typowe dla celu nowej generacji, polegającego na chęci uniknięcia tradycyjnych materiałów artystycznych opartych na przedmiotach (takich jak malarstwo i płótno) i raczej skrócenia dystansu między artystą a publicznością , dzięki czemu własne ciało środek. Urodzony pod represyjną komunistyczną dyktaturą Jugosławii i wychowany wraz z rodzicami blisko związanymi z reżimem, dramatyczne kreacje Abramovića często wydają się oczyszczającą reakcją na te skrajne przejawy władzy.

Wyprodukowała wiele rzeźb, ale jest jeszcze bardziej znana ze swoich występów i pozostaje jedną z nielicznych artystów swojego pokolenia, która nadal występuje. Dziś lista magazynu Time umieszcza go wśród 100 najbardziej wpływowych ludzi na świecie.

Czym jest sztuka performance

„Publiczność jest jak pies. Od razu czują, że się boją, czują się niepewnie, nie mają dobrego samopoczucia - i odchodzą… ”

Oto sztuka performansu, jak mówi sama Marina Abramović. Artysta i publiczność w sztuce performatywnej stają się jednym. Performance to w praktyce gatunek, w którym sztuka jest prezentowana „na żywo”, zwykle przez samego artystę, ale czasami także przez współpracowników lub performerów. Odegrał rolę w sztuce awangardowej w XX wieku, odgrywając ważną rolę w ruchach anarchistycznych, takich jak futuryzm i dadaizm. Szczególnie rozkwitła sztuka performance w latach 60. XX wieku, kiedy artyści zaczęli martwić się o ciało.

Bardziej niż „obiekt artystyczny”, poprzez „sztukę performance” chcemy stworzyć wydarzenie artystyczne, coś, co istnieje, gdy właśnie się odbywa, angażując publiczność, która jest obecna, nawet na poziomie fizycznym, ale także w pomieszczeniach. aparat z aparatem do dokumentowania tego, co się dzieje.

W przypadku performansu artystycznego wszystko może być już zaplanowane lub zaimprowizowane, ważne jest, aby budować sztukę w toku.

Biografia Mariny Abramović

Marina Abramović urodziła się w 1946 roku w Belgradzie w Jugosławii, w rodzinie rodziców, którzy byli bohaterami narodowymi w czasach Tito. Jego ojciec, Vojin, był w rzeczywistości marszałkiem Jugosławii, najwyższym rangą w Jugosłowiańskiej Armii Ludowej, a jego matka, Danica, była historykiem sztuki i dyrektorem Muzeum Rewolucji i Sztuki w Belgradzie, na stanowisku czysto politycznym.

Po tym, jak jej ojciec opuszcza rodzinę, jej matka przejmuje całkowitą kontrolę nad obecnie 18-letnią Mariną i jej młodszym bratem Velimirem, stosując surowe i czasami brutalne sposoby.

W latach 1965–1972 studiował w Akademii Sztuk Pięknych w Belgradzie oraz w Radionics Krsta Hegedusic Akademii Sztuk Pięknych w Zagrzebiu w latach 1970–1972. Na początku lat 70. zaczął tworzyć sztukę performatywną, początkowo wykonując instalacje dźwiękowe, ale szybko zbliża się do dzieł bardziej bezpośrednio związanych z ciałem. W tym okresie wykładał w Akademii Sztuk Pięknych w Nowym Sadzie (1973-1975).

W swoich wczesnych pracach - które odbywają się w małych ośrodkach studenckich lub alternatywnych przestrzeniach w Jugosławii - Abramović często naraża swoje ciało: zażywa leki na katatonię i schizofrenię (Rhythm 2, 1974); zaprasza widzów, aby grozili jego ciału nożami lub naładowanym pistoletem (Rhythm 0, 1974); tnie brzuch żyletką, biczuje się i kładzie na bloku lodu (Thomas Lips, 1975).

Po co to wszystko? Ona sama sugeruje, że inspiracją do tego typu pracy były zarówno jej doświadczenia z dorastania pod komunistyczną dyktaturą Tito, jak i jej relacje z matką:

„Cała moja praca w Jugosławii polegała na buncie, nie tylko przeciwko strukturze rodziny, ale także przeciwko strukturze społecznej i strukturze systemu sztuki … Cała moja energia pochodzi z prób pokonywania tego rodzaju ograniczeń”.

Abramović stworzył te pionierskie prace, gdy performance był wciąż rozwijającą się formą sztuki w Europie, a do połowy lat 70. XX wieku nawet mało znaną poza Jugosławią. W 1974 roku była znana także we Włoszech, wystawiając performance Rhytm 4 w Mediolanie w Galerii Diagramma Luciano Ingi Pin.
W 1976 roku opuścił Jugosławię i przeniósł się do Amsterdamu. W tym samym roku rozpoczął współpracę i związek z niemieckim artystą Ulay. W 1997 roku zdobył Złotego Lwa na Biennale w Wenecji za spektakl Balkan Baroque.

Związek z Ulay i ich występy

W 1975 roku w Amsterdamie Marina poznała urodzonego w Niemczech artystę Franka Uwe Laysiepen - lepiej znanego jako Ulay - i w następnym roku zamieszkała z nim. Przez następne 12 lat Abramović i Ulay są współpracownikami i kochankami. Przemierzają Europę furgonetką, mieszkają z australijskimi Aborygenami lub w tybetańskich klasztorach buddyjskich w Indiach i przemierzają pustynie Sahara, Thar i Gobi.

Wśród ich prac: Imponderabilia (1977), w której znajdują się nago w drzwiach, zmuszając tych, którzy wchodzą, do przejścia między nimi; Breathing In / Breathing Out (1977), w którym wdychają i wydychają z ust drugiego, aż do prawie całkowitego braku oddechu; Relacja w czasie (1977), plecami do siebie ze związanymi włosami; Light / Dark (1977), w którym zamienili twarze ze sobą; oraz Nightsea Crossing (1981-1987), spektakl, w którym siedzą w milczeniu naprzeciw siebie na drewnianym stole tak długo, jak to możliwe.

Kiedy Abramović i Ulay decydują się zakończyć współpracę artystyczną i osobiste relacje w 1988 roku, ożywiają The Lovers: każdy zaczyna od innej części, aby przejść przez Wielki Mur Chiński, aż do spotkania w środku.

Dziedzictwo Mariny i jej główne prace

Abramović, która nazywała siebie „babcią performansu”, brała udział w pierwszych eksperymentach ze sztuką performance, ale nadal tworzy nowe prace. Miał i nadal ma duży wpływ na młodszych artystów. Chociaż nigdy nie uznała siebie za „feministkę”, jej porównania z fizycznym ja i główną rolą przypisaną kobiecemu ciału pomogły jej również sklasyfikować ją w tym kierunku.

Jej zaangażowanie w tchnięcie nowego życia w sztukę performansu doprowadziło ją do utworzenia Instytutu Ochrony Sztuki Performance w Nowym Jorku, organizacji non-profit, która wspiera nauczanie, ochronę i finansowanie sztuki performance. O tym Instytucie Abramović powiedział: „Przedstawienia są ulotne, ale to miejsce jest na czas. To właśnie zostawię za sobą ”.

Marina Abramović rozsławiła swoją karierę artystyczną dzięki „ Metodzie Abramovića ” (2012), w której główną kibicami jest Lady Gaga.

Rytm 5 - źródło

Prace

Wśród najsłynniejszych prac wyróżnia się cykl spektakli Rytm oraz realizowany w latach 70-tych cykl Uwolnienie ciała, Uwolnienie pamięci, Uwolnienie głosu.

Jak wspomniano wcześniej, seria Rytm uderzała przemocą , jaką artystka zadała jej ciału: na przykład w przypadku performance Rhythm 5 (1975) performerka rozciągnęła się na środku drewnianej gwiazdy w pomieszczeniu przeznaczonym dla płomienie. Wkrótce powietrze stało się niemożliwe do oddychania i Marina została uniesiona nieprzytomna.

Jednym z najbardziej znanych dzieł jest bałkański barok, prezentowany na Biennale w Wenecji w 1997 roku i nagrodzony Leone D'Oro: tutaj Abramović siedzi w piwnicy pełnej krwawych i śmierdzących kości bydlęcych, które nieustannie oczyszcza z krwi i od robaków, śpiewów litanii i lamentów. Znaczenie? Surowe przedstawienie okropności wojny na Bałkanach.

Artysta jest obecny - Źródło

Nowszy i nie mniej znany artysta jest obecny w MoMA w Nowym Jorku w 2010 roku. Trwający trzy miesiące performans, który składał się z siedzenia przy stole i jednego widza przed sobą, zaowocował nieoczekiwane spotkanie z Ulay, ponad 20 lat po ich pożegnaniu.

Słynne zwroty Marina Abramović

• „Kiedyś zapytano Picassa, co oznaczają jego obrazy. Powiedział: „Czy wiesz, co śpiewają ptaki? Nie. Ale i tak ich słuchasz. „Sztuka jest ważna tylko dla patrzenia”
• „Co to jest dobre dzieło sztuki? Jest to coś, co ma tę energię, która dostosowuje cię do tego, co dzieje się za tobą… jeśli traktujesz wszystko, co robisz, jako sprawę życia lub śmierci i jesteś obecny w stu procentach, wtedy rzeczy naprawdę się dzieją. Mniej niż sto procent nie zasługuje na to miano. To takie trudne, ale to jedyny sposób ”
• „Ponieważ w końcu jesteś naprawdę sam, cokolwiek robisz”
• „Niezależnie od wykonywanej pracy najważniejszy jest stan umysłu, w jakim działasz”
• „Ludzie nie rozumieją, co jest najtrudniejsze. zrób coś prawie nic ”
• „Artysta nie może okłamywać siebie ani innych.
  Artysta nie może kraść pomysłów innym artystom.
  Artysta nie może iść na kompromis ze sobą ani z rynkiem sztuki.
  Artysta nie musi zabijać drugiego człowieka.
  Artysta nie musi zmieniać się w idola.
  Związek artysty z jego życiem emocjonalnym:
  Artysta musi unikać zakochania się w innym artyście.
  Artysta musi unikać zakochania się w innym artyście.
  Artysta musi unikać zakochania się w innym artyście ”
• „Stół i dwa krzesła. To jest bardzo proste. Nie ma prawie nic. Jest tylko artysta, który stoi jak góra. Skała. I patrzy ci w oczy "
• „To niesamowite, jak strach narasta w tobie, ze strony twoich rodziców i innych wokół ciebie. Jesteś taki niewinny na początku; nie wiesz"
• „To, co robisz, nie jest ważne. Naprawdę ważny jest stan umysłu, z jakim to robisz ”
• „Czas jest iluzją. Czas istnieje tylko wtedy, gdy myślimy o przeszłości i przyszłości. Czas nie istnieje w teraźniejszości tu i teraz ”

Germana Carillo